アンサンブルの基礎を学ぶ。

器楽ソルフェージュの理念に基づいたアンサンブル演奏の基礎能力を習得し、バロックから近現代までの作品演奏を通して、音楽の包括的把握力と豊かな音楽性、協調性等を身につける。
アンサンブル専攻生を主な対象とし、室内楽の基礎的技法と表現法を学ぶ。そのため授業計画に倣い、演奏内容を構成する様々な要素について吟味し、基本的要点を理解し、複数のグループによる演奏の実践・研究を行う。

アンサンブル 調和

基礎科目

複数のアンサンブルを結成し、演奏する。

第１回：オリエンテーション：　授業の概要と展開を、おおよその計画の中で示し、グループの確定、選曲等を行う。
第２回：アンサンブルの意義：　アンサンブルの実践が音楽を学ぶ上で如何なる価値をもたらすか、について考える。
第３回：呼吸法：　演奏と呼吸はアンサンブルと緊密な関係にあることを、表現との関連性から理解する。
第４回：拍節法：　拍子感に基づく周期性を、万物に遍在する「秩序」との関わりから捉える。
第５回：和声と音程：　純正調から得られる重音美を、物理的根拠に基づいて検証する。
第６回：旋律と音程：　旋律の特長をさらに鮮明にするうえで、微細な音程調整の有効性について吟味する。
第７回：対比と調和：　アンサンブルには特に重要な要素である点に着目して、作品を通して分析する。
第８回：バランス：　相対する表現要素に均衡をもたらす重要性を、表現内容の美学的見地から理解する。
第９回：強弱法：　演奏史の変遷を特徴づけ、作品の内容にも大きく関わる要素なので、表現の有効性を追究する。　　
第１０回：速度法　速度標語について再検討し、作品の統一的テンポ感覚と速度のニュアンスについて解釈する。
第１１回：作品の構造　モチーフ、フレージング、楽節、形式等の分析を通して音楽の構造を明確に捉える。
第１２回：作品の構築　音楽の提示、展開、完結等を明快に表現するための手法を、速度、強弱などと絡めて学ぶ。
第１３回：工夫と打開　技術的難点、解釈の不一致、楽器の特性故のバランスの限界等、の対処法を見出す。
第１４回：創意と解釈　演奏表現の最も重要なオリジナリティを鮮明に打ち出すための要所を明確にする。
第１５回：包括的表現（試験）　学期の授業を包括する形で演奏内容を構築し表現する。

アンサンブルは、他との調和・一致・対称等様々な要素の中で、自他共に生かされることで成り立つものなので、個々の音楽的責任は勿論、他のパートに寄せる関心が不可欠である。よって、よく聴きながら奏するバランス感覚を個々の感性に位置づけること。
一人でも欠けるとアンサンブルが成立しなくなることを自覚すること。

勤勉に練習すること。 アンサンブルは、先ず慣れることが重要なので、積極的に参加すると同時に、音楽全体像への理解とイメージアップを総括的に行うよう、常に心掛けること。

期末試験の点数及び出席状況等の平常点から総合的に判断する。

期末の演奏及び出席状況等の平常点から総合的に評価する。
期末の演奏７０％
平常点３０％

その都度指示する。

個々の演奏技能の維持が不可欠なので、音階や分散和音等の基礎的訓練に日々励むこと。

随時受け付けます。